Ouverture à la station8 :
14 octobre 2017 17h00 jusqu’à 20h00
Heures d’ouverture du station8 :
Mercredi 15 à 18 h
Samedi, dimanche 13 à 17 heures
ou sur rendez-vous.
Clôture de l’exposition :
12 novembre 2017
Textes sur l’exposition. De la part d’Eva Burfeind
Hans-Ruedi Wüthrich
Hans-Ruedi Wüthrich est connu pour ses mises en scène pittoresques, qui englobent des paysages purement scéniques, la nature dans des atmosphères variées, mais aussi des paysages résiduels architecturaux, des moments de « Natura morte ». Des effets d’image modifiables, qui sont avant tout une chose : Expression de curiosité créative. Hans-Ruedi Wüthrich est artistiquement en perpétuel voyage de découverte, ce qui l’a conduit à une abstraction presque constante, c’est-à-dire que l’artiste s’est libéré d’une nature tangible et figurative.
Car l’important est maintenant le processus de peinture libérale, cette exploration et recherche de traces et de structures dans la nature ainsi que dans la conception de l’image, qu’il transporte formellement dans l’image – au sens le plus vrai du terme – avec des pigments, des choses trouvées et ce qui reste de la nature. Natura morte a maintenant donné libre cours aux mains de l’artiste avec un pinceau, une spatule, et Hans-Ruedi Wüthrich a intuitivement condensé un sédiment créatif de liberté artistique en une nature directe, directe, détachée des concepts fixes et des réceptions.
Hans-Ruedi Wüthrich peint et met en scène des images de sentiments, impulsifs et pleins de délices, curieux de ce qui grandit et se développe sous ses mains. En même temps, il reste un interprète infaillible de la nature. Mais maintenant il est proche des surfaces, sous et dans les couches de terre, de paysage et d’eau, comme s’il voulait disséquer et voir les structures intérieures et retracer à nouveau avec la matière de la terre, les couleurs de la nature ou les mouvements et les signes dans les étangs d’eau.
Les couleurs sont terreuses, pierreuses, blanches, jaunes, jaunes, grises, plus ce que le paysage révèle, séchées, herbe, brindilles, feuilles, terre, terre, cendres, beaucoup de Provence. Maintenant composé par Hans-Ruedi Wüthrich sur de nouvelles vues subjectives du paysage, en couches, tangibles et multifacettes. Détaché des règles de la peinture, des marques de pinceau et de la concentration formelle, ses nouvelles œuvres montrent le visage et l’essence d’un paysage, finalement ce qui reste, comment la nature émerge et disparaît. De plus, Hans-Ruedi Wüthrich a capturé le moment pictural des vagues, les traces et les mouvements, les dépôts, les algues, les couleurs cassées et les nuances des trous d’eau desséchés et desséchés comme inspiration pour l’écho calligraphique, quand la nature dans ses multiples apparitions invite le peintre à une créativité débridée.
Anna Schmid
Anna Schmid est plus une de ces artistes du bois qui s’est fait un nom avec ses sculptures en bois passionnantes. L’artiste bernoise, qui vit et travaille à Spiez, laisse ses sculptures réalisées à la tronçonneuse, des formes archétypiques omniprésentes, sans limites et intemporelles dans leur origine.
Mais aussi puissant que l’examen créatif du matériau bois est, son effet formel est aussi filigrane et sensuel : certains apparaissent pliés en papier, d’autres s’affinent comme des cadavres ou forment des gaines reliquaires ou d’élégants murs en treillis, des cercles ornementaux s’empilent dans un équilibre architectural fragile, formant d’étranges chiffres. Certains apparaissent comme des éléments en plusieurs parties et sont composés d’une seule pièce, d’autres rappellent d’énormes queues de lézard. La tromperie et l’irritation devraient concentrer l’attention du spectateur sur la forme et le contenu et pousser la forte présence du matériel dans l’arrière-plan. Ils possèdent toujours une signification complètement relique de moments humains rudimentaires.
« Je veux que quelque chose soit visible dans chacune de mes œuvres, mais je veux aussi qu’une partie reste secrète. Mes vues (détachées) sont incluses, mais il y a de la place pour la question et la réponse de l’individu », l’artiste décrit son intention créative lorsque l’artiste née en 1964 utilise une tronçonneuse, entaillant ou sculptant régulièrement les troncs et les parties des arbres pour créer des objets filigranes, jusqu’à ce que leurs surfaces semblent se transformer en d’autres matériaux que le bois. En même temps, les caractéristiques de la nature du bois, sa texture, son grain, ses couleurs et ses irrégularités sont incluses dans le processus de conception.
Anna Schmid va jusqu’aux limites de la forme et de la statique, de la compacité et de la transparence, explore les possibilités du matériau et de la tronçonneuse, toujours concentrée sur le langage formel des signes autochtones : Ses œuvres sont lisibles pour tous et pourtant individuelles, simples et sublimes. Modifiable dans leur conception de base, ces sculptures en bois laissent la place au spectateur pour ses propres découvertes et fantaisies.
Brigitte Marionneau
«Mais qui dit la terre, dit aussi l’eau et le feu» – oui, qui dit (et signifie) terre, il dit aussi eau et feu. Une note de la céramiste française Brigitte Marionneau, qui inclut son intention céramique. Ainsi, le vent joue aussi un rôle – allégorique – comme la lumière, le noir, la ligne.
Dans les sculptures en céramique et la poterie Raku de Brigitte Marionneau, la lumière du blanc et du noir de carbone, marque d’encre, se révèle être l’égalité formelle de l’austérité, de la clarté et de la douceur de la pureté.
La première expression créative de Brigitte Marionneau était plutôt narrative, des figurations associées à divers voyages en Arizona et en Afrique. Mais il y a une bonne dizaine d’années, le travail artistique de Brigitte Marionneau a subi une inversion rigoureuse – l’abstraction sculpturale en blanc et noir est devenue le sujet, le nouveau langage visuel de l’artiste. Née en 1958, elle s’est formée à la technique du raku dans les années 1980 par Camille Virot et vit depuis 1989 à proximité du célèbre village céramique de La Borne.
Leurs céramiques ne veulent plus raconter une histoire ou jouer sur la signification culturelle. Ses sculptures et ses vases sont tout simplement là, seule la ligne, la forme et la lumière comptent. L’important est l’abstrait, la forme essentielle, plutôt architecturale ou rappelant les formations de pierre lissée par l’eau et le vent, mais aussi le corps, lisse et jouant avec la lumière en monochrome.
Ils ressemblent à des monolithes, comme des fragments polygonaux tectoniques, lisses à la surface, souvent angulaires et rocheux et élégants, d’autres ressemblent à des torses sculpturaux malgré leur non-objectivité, et suggèrent aussi les variations des topographies humaines. Certains contiennent de petites libertés de conception telles qu’un rebord rocheux, des bords et des pentes, dans d’autres les plus fins hachures et les éléments graphiques animent l’erratique. Même dans les récipients, il y a la réduction de la couleur et de la forme, de la lumière et de l’obscurité, l’essentiel de la simplicité et du raffinement. Les couleurs sont d’un blanc velouté, d’autres décrivent les possibilités de variation pour moduler le noir, lisse ou structuré, afin que la lumière puisse jouer. Des traces mélangées peuvent être trouvées, des caractères texturés tricotés dans la surface noire.
Mais malgré toute la rigueur, la céramiste française montre aussi la sensualité de la matière, la tension de la forme stricte en jouant avec la vitalité des lignes. Pour Brigitte Marionneau, son environnement est son inspiration, elle aime citer le grand sculpteur roumain-français Constantin Brâncuşi : « Mon pays, c’est la terre qui tourne, la brise, les nuages qui passent ». Tout cela est également contenu dans leurs céramiques.
Sophie Favre
La fable a été une forme narrative populaire depuis l’antiquité pour décrire les caractéristiques humaines, sans négliger l’instructif et la ligne de poinçon, qui coïncident généralement.
Sophie Favre, née à Grenoble en 1950 dans une famille artistique, les parents céramistes, est similaire, mais un peu différente. Sa ménagerie aux multiples facettes présente une étrange variété d’espèces qui révèle les personnages les plus bizarres, sans nuances instructives ni interprétation profonde – ce qui reste finalement subjectif. Car Sophie Favre est aussi subtile qu’elle est raffinée avec ses histoires bizarres, lorsqu’elle réunit ces compagnons lapins-chiens-cochons-porcs-chats-oiseaux, qui ont en quelque sorte des traits humains, et qui sont tout aussi bizarres, étranges à des attitudes allégoriques.
Mais Sophie Favre est en fait une professionnelle tardive dans l’art de la céramique. Elle a étudié la peinture à l’Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris et à l’âge de 30 ans, elle a appris à dessiner avec l’argile de sa mère et a rapidement développé une passion pour cette matière, ce qui se reflète dans le charme de ses créatures grotesques et bizarres. Elle travaille avec différents types d’argile et de nuances de couleurs ocre, blanc ou gris, ce qui donne à ses sculptures un style très particulier de drame filé et une sophistication subtile.
La beauté de ses manifestations figuratives réside plus dans le caché, dans la fabulosité des histoires derrière elles, qui semblent familières : êtres corpulents, corps forts, dents proéminentes, joues massives, têtes et corps de rongeurs, grandes oreilles rappelant les lièvres, yeux mélancoliques, qui semblent tous attachants avec les traits humains du monde animal et le moment animal dans les figures humaines. Tout a glissé des fables pour nous dire, le spectateur, avec une subtile ironie, la chute de la vie en tant que poésie non conventionnelle – et un peu incompréhensible – de la poésie. Ses figurations sont aussi des messages et des histoires cachées, qu’elles soient personnelles ou subjectives, ce qui laisse ouverte l’artiste, qui s’inspire du vivant comme du non conventionnel, du drôle comme du tragique, du beau comme du laid, de la peinture de la Renaissance flamande comme de la bande dessinée, des gens et des animaux dans la rue, de sa vie quotidienne. Ainsi, les inspirations changent constamment, se chevauchent, s’entrelacent et se développent.
Depuis quelques années, Sophie Favre a étendu ses figures à la peinture, qui deviennent des portraits intemporels, sur un fond clignotant, sensible et nostalgique.
Eva Buhrfeind, septembre 2017